Artistas

NOUREDDINE KHOURCHID Y LOS DERVICHES DE DAMASCO (SIRIA)

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Nacido en 1966 en Damasco, Noureddine Khourchid es iniciado a los cinco años por su padre el jeque Abou al-Nour en el ritual místico musulmán. En su país se le considera uno de los más grandes recitadores del Corán.

Después de algunos años en la facultad de económicas, se dedica finalmente a la vida espiritual. Su gran maestría de la recitación coránica le permite fundirse perfectamente en el inshad, el canto religioso.

El grupo sufí Noureddine Khourchid de la gran mezquita de Damasco funde una voz profunda y celestial que se pone de manifiesto en el ritmo del daf y que parece materializarse por la presencia casi metafísica de los derviches giradores.

En este torbellino ritual infinito en el que la tierra y el aire parecen unirse, lo que se esboza es el movimiento universal y cosmogónico del mundo. La orden de los Mevlevís, establecida por el gran Jalâl al-Din al-Rûmî, ha hecho de él su patrimonio. El “samâ’”, del verbo árabe “escuchar”, se refiere a una práctica espiritual que consiste en cantar y en bailar para expresar los estados internos y para alabar a Dios. Esta danza se realiza con el oído del corazón y revela en algunas músicas una llamada al conocimiento de sí mismo y al retorno a un lugar más allá de cualquier espacio físico. Se lleva a cabo según las reglas precisas cargadas de simbolismo y se asocia, a menudo, a ciertas prácticas de las hermandades sufíes, como el dhikr, la recitación de los versos del Corán, las oraciones dirigidas al profeta Mahoma. Aunque existió, de forma esporádica, desde los primeros siglos del islam, esta práctica ha experimentado una reactivación gracias al místico Jalâl-al-Din al-Rûmî (1207-1273), quien sentó sus bases teosóficas.

Hoy en día, el “amâ” todavía es practicado por los adeptos de su senda (tarîqa), los Mevlevís otomanos, como por sus semejantes árabes los Mawlawiyya, así como por las numerosas hermandades de Oriente Medio y del Magreb. A lo largo de los siglos, esta práctica se ha ido enriqueciendo gradualmente gracias al contacto con otros repertorios religiosos y poéticos, hasta encarnar una especie de liturgia del recuerdo, entre el cielo y la tierra, basando sus raíces en los fundamentos de la mística islámica.

La puesta en escena del “samâ” constituye una suerte de arte total, en el que convergen música y danza, por supuesto, pero también poesía, arquitectura y una mínima escenografía. Según la mayoría de los tratados clásicos del tasawwuf, para el buen desarrollo de las que son las dos prácticas sufíes más relevantes: el samâ o concierto espiritual y el dhikr o invocación ritual de los nombres de Dios, es preciso que se cumplan tres condiciones: zamân: tiempo, makân: lugar e ijuân: las personas participantes.

Varios relatos místicos atribuyen un origen divino a la música que narra que el alma, cuya naturaleza misma es celestial, se negó a tomar forma, pero fue seducida por la voz de un ángel ordenado por Dios para establecerse dentro del cuerpo para atraerlo allí. Ahora está atrapado dentro del cuerpo, pero ha mantenido una nostalgia de sus orígenes desde que se separó de ellos

Esta agrupación está formada por siete cantantes munshid de la orden Shadhiliyya y dos bailarines de la orden Mawlawi de Damasco
 

CURRO PIÑANA (ESPAÑA)

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El sábado 6 de Mayo el concierto está basado en un repertorio de cantes flamencos dónde se adaptan poemas de los místicos sufíes y cristianos a base de tarantas, bulerías, tangos o malagueñas.

Se trata del místico murciano sufí Ibn Al Arabí (Murcia en 1165- Damasco 1240), y de los místicos cristianos San Juan de la Cruz (Fontiveros 1542-Ubeda 1591) y Santa Teresa de Jesús (Ávila 1515- Alba de Tormes 1582). La actuación recoge también los espacios de confluencia de las tradiciones cristiana, judía y musulmana en relación con la experiencia mística y el amor humano y divino.

La exploración de los puntos de intersección de estas tradiciones constituye la fuente de inspiración de este recital que pretende subrayar el hermanamiento y la tolerancia entre culturas.

Todos los temas del repertorio son composiciones originales de Curro Piñana con arreglos musicales del guitarrista Francisco Tornero. La adaptación de los poemas ha sido elaborada por Curro Piñana con meticulosidad y cuidado, pero también con emoción y entrega. Partiendo de los Poemas de Ibn Arabi, Juan de la Cruz y Teresa de Ahumada, Curro Piñana ha desarrollado diversos estilos de cante utilizando un continuo y gran despliegue de facultades para que su voz melísmática, nítida y llena de matices, luciera de manera brillante.

Nacido en Cartagena en 1974, su aprendizaje comienza con las enseñanzas directas de su abuelo (Antonio Piñana, padre) sobre los variados y complejos estilos mineros. A lo largo de su carrera artística ha obtenido premios en todos los grandes festivales de flamenco donde se ha presentado. El Festival Nacional de Lo Ferro, Concurso Nacional de Cante por Cartageneras, Festival Internacional del Cante de Las Minas, Festival de Cante Flamenco “Ciudad del Sol” de Lorca y Festival “Ciudad de Úbeda”, entre otros, han contado con su presencia.

Su labor flamenca no se ciñe exclusivamente a lo artístico. Como gran estudioso del flamenco ha impartido e ilustrado numerosas conferencias en diversas universidades, entre las que destacan Sevilla, Badajoz, San Sebastián de los Reyes, Universidad Internacional Menéndez Pelayo, Alicante o la sede de flamenco en France en París. Ha sido director del Aula de Flamenco de la Universidad San Pablo CEU desde el año 1999 hasta el 2003.

Es licenciado en Psicología y Máster en Investigación Musical por la Universidad de Murcia. Actualmente compagina su labor docente como Profesor de cante, historia, estética y sociología del flamenco del Conservatorio Superior de Música de Murcia y Profesor de cante en la Cátedra de Flamenco de la Universidad Popular de Cartagena.

De Curro Piñana se ha dicho:

Juan Jorquera en www.webflamenco.es :

“..Curro Piñana es de esos cantaores que arriesga constantemente, planteando nuevos retos en sus propuestas musicales. Se trata de un músico que muestra en sus interpretaciones una gran creatividad y es sin duda, un referente para todo aquel que quiera acercarse y conocer el repertorio minero...”

Enrique Montiel en la revista Tiempo:

“..Curro Piñana es el gusto para cantar, para sentir la herencia y administrarla con dignidad y sabiduría. Con una voz ciertamente hermosa para el cante, llena de matices y ternuras. De la vigilia al alba se llama uno de sus mejores discos, Curro es un sabio, un artista integral”

Ángel Álvarez Caballero en El País:

“...Curro es un artista excelente, en cada cante hace un notable ejercicio de sensibilidad flamenca y acredita ser un cantaor que domina con autoridad el arte jondo...”

“...Curro está haciendo una carrera en verdad inteligente. Conoce al dedillo los estilos de su tierra pero además se aventura en otros tan dispares como la soleá, la nana o la guajira. Además Curro canta muy bien, racionalizando el melisma con talento, está claro que esta voz del Este es importante”

Pablo G. Mancha en El País:

“..Curro canta por los adentros del canon, asombra cuando rebaja su eco y canta desde dentro, silueteando melismas de acendrada flamencura y de sorprendentes resoluciones;

diríase que masca el cante. Es un artista que busca la perfección formal y estilística del cante”

Manuel Ríos Ruiz en el ABC:

“..La actuación de Curro Piñana fue lo más valioso de todo el cartel del Festival Flamenco de Caja Madrid de este 2003. La guajira de Curro, con sus entonaciones variadas y conjugadas con donosura ha supuesto sin lugar a dudas el verdadero revival de esta cante...”

Javier Losilla en el Periódico:

“... Curro Piñana no es sólo uno de los mejores (si no el mejor) cantaor de su generación: su conocimiento de la historia del flamenco y su voz extraordinaria y el uso que de ella hace, le sitúan, pese a su juventud, entre los grandes artistas contemporáneos del género. Y créanme, reacio como soy a los superlativos, escribo rendido a la evidencia.”
   

GAYE SU AKYOL (TURQUÍA)

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El viernes 5 de Mayo nos visita la última sensación de la vanguardia musical de Estambul, la Bjork del Bósforo, Gaye Su Akyol . Es una cantante turca con influencias que van desde el folk de Selda Bagcan, el grunge de Nirvana o Nick Cave. Son las claves que definen el universo sonoro de Gaye Su Akyol una joven artista, pintora devenida cantante, con una propuesta llena de misterio y dramatismo, pero también de mucha luz y mucho ritmo. Una mezcla experimental de música tradicional turca con western, garage y surf.

Los antepasados de Gaye Su Akyol vienen de Anatolia, aunque ella siempre ha vivido en Estambul. La atmósfera plural y de ricas tradiciones que se respira en la ciudad fue el hilo conductor que la artista ha utilizado para crear el sonido distintivo de su segundo álbum “Hologram Ĭmparatorluğu” (Glitterhouse, 2016), donde suaves melodías turcas se entrelazan con punzantes guitarras surf.

Tras la represión generada en los primeros años después de un golpe militar en los ‘80, el gobierno comenzó a suavizar su presión sobre la cultura y Akyiol tuvo la oportunidad de explorar las posibilidades de la conciliación entre la música tradicional turca y el rock, tomando parte en una nueva ola cultural y musical que despuntaba en su país.

Uno de sus álbumes de referencia es “White rabbit” de Jefferson Airplane. El oscuro y a la vez delicado estado de ánimo que transmite su música, el uso de los instrumentos y la técnica vocal de Grance Slick inspiraron a Gaye Su Akyiol y la condujeron a otras bandas de psicodelia y surf. Lo que ellos hacían encajaba a la perfección con la música de veteranas cantantes turcas tradicionales.

Hija del aclamado pintor turco Muzaffer Akyol, Gaye Su siempre se ha guiado por un sentimiento de experimentación. Cuando su camino se cruzó con el de la banda Bubituzak, algo hizo click entre ambos y pronto decidieron colaborar. Grabaron su debut “Develerle yaşıyorum” en 2013, seguido por una serie de conciertos por Turquía y festivales europeos como Roskilde o Le Guess Who.

Combinando diferentes rasgos y expresiones de la cultura turca, Akyiol compone mezclando elementos tradicionales y modernos para crear un sonido propio. Una búsqueda constante de nuevos sonidos con los que marca la diferencia. Un universo de hologramas, fuego, cuerdas, atmósferas, guitarras surf que recuerdan a un spaguetti western, oud, kanun y trompeta.

Sensual y comprometida, Gaye Su Akyol es el vivo reflejo del interesantísimo crisol que es la Estambul de nuestros días.
   

AYNUR (KURDISTÁN)

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El jueves 4 de Mayo tenemos el honor de abrir el festival con la cantante kurda, reconocida mundialmente AYNUR. Su música recoge la tradición oral de su pueblo. Muchas de sus canciones tienen más de trescientos años.

El pueblo kurdo reúne a alrededor de 25 millones de personas que viven a caballo entre Turquía, Siria, Irán e Iraq fundamentalmente, lo que les convierte en el pueblo sin estado con más personas del mundo. Hay kurdos de religión musulmana, pero también los hay judíos y cristianos, y además hablan distintos dialectos, lo que le convierte en un pueblo de enorme complejidad y que no tiene fáciles relaciones con sus vecinos en los países en los que viven. A lo largo de su historia las guerras y persecuciones han sido continuas en su territorio.

Aynur lanzó su primer álbum Seyir en 2002. Con su disco Keçe Kurdan (Chica kurda), editado en 2004 por el sello Kalan Müzik, obtuvo resonancia internacional. El disco presentaba una mezcla de canciones populares turcas y kurdas junto a composiciones nuevas y contó con la participación de reconocidos músicos que la acompañaron. El álbum fue prohibido por el Sexto Tribunal Penal de Diyarbakir , aduciendo que las letras contenían propaganda de una organización ilegal e incitaban a las mujeres a unirse a la lucha separatista. El dictamen fue recurrido ante el gobierno provincial, obteniéndose su anulación.

Esta mujer se ha convertido en uno de los referentes culturales del pueblo kurdo, con millones de seguidores en las redes sociales. Ha llevado su música a un público más amplio, a un público en el que se incluye el turco y otras audiencias occidentales que han descubierto a través de la voz de esta mujer, toda la riqueza de la tradición oral kurda. En esas historias que se han transmitido a lo largo de los siglos a través de la palabra, está el punto fundamental de inspiración de Aynur Dogan, a lo que une otras músicas como la de John Coltrane, Mary Boine o Tracey Chapman, como ella misma reconocía en el periódico norteamericano San Francisco Chronicle. Son canciones en las que la mujer tiene un papel preponderante, protagonista de historias muchas de ellas de amores que no se culminan, tal vez como la propia trayectoria de su pueblo.

La familia de Aynur se trasladó desde el sudoeste del país a la capital en el año 1992, para escapar de los conflictos entre el ejército turco y los guerrilleros del PKK (Partido de los Trabajadores del Kurdistán), y en Estambul empezará a estudiar baglama, una especie de laúd turco, y con él interpretaba las canciones de su tradición, esas que hablan de leyendas, epopeyas, de paisajes áridos de montañas y estepas habitadas por los kurdos desde tiempos inmemoriales. Años difíciles en los que las autoridades turcas no permitían que los kurdos utilizaran su lengua, prohibición que sirvió de acicate a Aynur .

Aynur fue la primera cantante kurda en aparecer en la banda sonora de una película turca rodada en Turquía, fue en Gönul Yarasi de Yavuz Turgul. Aparecerá después en el documental rodado por Fatih Akin , “Crossing the bridge: The sound of Istanbul” (Cruzando el puente: El sonido de Estambul).

Sus melodías cuentan historias áridas, de amor, celos, emigración y en diferentes dialectos kurdos además del turco. Y es que Aynur explica que no quiere hacer política con su música, que lo que quiere es hacer llegar a una audiencia internacional un mensaje de paz y de amor, un amor que en ocasiones es desesperado y teñido de tristeza y añoranza. “Es una sociedad que ha tenido difícil vivir sus amores”, dice Aynur
   

SAJID AHMED KHAN QAWWALI ENSEMBLE (INDIA)

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Sajid Ahmed Khan, Artista y Músico, nacido en la India, es el exponente más importante del “Qawwali” en Gran Bretaña desde hace más de una década. El “Qawwali” es un arte relacionado con la devoción y el fervor religioso, que combina la Música Religiosa con el Humanismo Cultural Espiritual de una manera que resulta accesible a todos aquellos que se interesen en este arte. Sajid Ahmed Khan es el único vocalista que puede cantar “Qawwali” (mística y melodías populares) en Lengua Hindi (idioma oficial de la India), en Urdu (Lengua Nacional en Pakistán y uno de los 24 idiomas oficiales de la India), en Panyabi (Lengua que se habla en la región del Panyab, entre la India y Pakistán), y en Sindhi (Lengua de la provincia pakistaní de Sind). La música de Sajid Ahmed Khan, inspiradora y encantadora, transciende todas las fronteras lingüísticas.

Sajid Ahmed Khan desciende de una ilustre línea de Cantantes “Qawwali”, y su familia ha mantenido “viva” esta tradición durante cientos de años. Su abuelo, Nasir Khan (conocido en la India como Kallan Khan & Banae Khan), fue probablemente el mejor “Qawwal” de principios del siglo XX. Sajid Ahmed Khan aprendió la música tradicional “Qawwali” con el maestro Ustad Taufeeq Ahmed Khan Niazi y, con este tipo de música, ha actuado por todo el Mundo y se ha comprometido a promover y a establecer una línea del arte tradicional del “Qawwali” en Gran Bretaña, a través de nuevas composiciones artísticas y musicales en las que se fusionan lo tradicional y lo contemporáneo.

Las actuaciones de Sajid Ahmed Khan, con su Grupo Musical “Sajid Ahmed Khan Qawwali Ensemble”, en lugares públicos y espacios abiertos, con espectadores improvisados, son representaciones artísticas musicales que manifiestan el carácter “devoto” y de “éxtasis” propios de la Poesía Mística Sufí Islámica; dichas actuaciones, destacan por su estilo melódico propio y único. El Grupo Musical “Sajid Ahmed Khan Qawwali Ensemble”, utiliza en sus actuaciones artísticas instrumentos musicales genuinos de la Música Tradicional de la India y Pakistán como son: el “Harmonium” o “Armonio” (instrumento de viento con teclado, típico de la Música Religiosa, utilizado en los templos de la India y Pakistán), la “Tambura” (instrumento de cuerda indio), el “Dholak” (instrumento de percusión, utilizado en varios estilos de Música Tradicional de la India), la “Tabla” (instrumento de percusión, compuesto por un par de tambores de distinto tamaño, utilizado en la Música Clásica Indostánica y en la Música Popular y Religiosa de la India); dichos instrumentos son acompañados por las palmas y el ritmo vocal improvisado, de los miembros del grupo. Con sus actuaciones, Sajid Ahmed Khan quiere enviar un claro mensaje a los musulmanes, y a la sociedad en general, acerca de que es posible compartir espacios comunes, independientemente del color, credo, o religión, de cada persona. Sajid Ahmed Khan, en las actuaciones con su grupo, consigue comunicar, eficazmente, sus mensajes al público presente, haciéndoles llegar el verdadero espíritu del Islam (“Amistad” y “Comprensión”, entre las diferentes culturas y religiones). Esta forma de arte musical, fue introducida en Occidente, desde los santuarios sufís musulmanes de la India y Pakistán, por Nusrat Fateh Ali Khan.

El “Qawwali” es un tipo de Música Religiosa tradicional sudasiática, originaria de la India Islámica, formada por una fusión de ritmos arábigos e indostaníes que se fueron asentando desde la invasión islámica Mogol. Este tipo de música es, básicamente, un vehículo para difundir la Filosofía central del Sufismo (rama mística y utópica del Islam). En su contexto musical se abarcan características de la ideología e historia Sufí, que son promovidos con carácter cultural, y que nos trasladan a las clases sociales de mayor estatus económico de la India y Pakistán. El “Qawwali” es un Arte Religioso Musical que, dentro de su práctica y difusión religiosa, no prohíbe la participación de otras culturas religiosas. Las canciones “Qawwali” surgieron de los “Qawal”, o Místicos Sufíes errantes que cantaban canciones islámicas de devoción.

La conformación musical del “Qawwali” se basa en el sistema del “Raga” Indio, donde se crea una composición que abarca poemas o leyendas compuestos por grandes Poetas Sufís. Algunos de los temas abarcan las esferas filosóficas, así como temas románticos y sociales y, a menudo, también se recitan metáforas para explicar asuntos metafísicos. Las canciones “Qawwalis” suelen tener una duración de 15 a 30 minutos; tienden a comenzar suavemente y, de manera sostenida, a un nivel de muy alta energía para inducir estados hipnóticos (tanto entre los músicos, como entre la audiencia). La canción, por lo general, se basa en el ritmo y en la pasión, y cada cantante trata de superar al otro en términos de la “acrobacia musical”. En el “Qawwali” no hay distinción entre la “voz de pecho” y la “voz de cuello”; cantan en voz muy alta, y con fuerza, lo que les permite ampliar su “voz de pecho” a frecuencias mucho más altas que las utilizadas en el canto Occidental.

El “Qawwali” es una vibrante tradición musical que se remonta, aproximadamente, al siglo XIV de nuestra Era; al principio se realizaba, generalmente, en lugares y recintos santos y sagrados Sufíes (de la India y de Pakistán), aunque actualmente ha ganado popularidad y está mucho más difundida. El trabajo del fallecido Cantautor pakistaní Nusrat Fateh Ali Khan influyó en la Música “Qawwali”; colaboró con muchos músicos no Sufíes (siendo la más conocida, la colaboración con el músico británico Peter Gabriel), en un esfuerzo de fusionar los dos tipos de música (un ejemplo de ello es la banda sonora de la película, del director cinematográfico estadounidense Martín Scorsese: “La última tentación de Cristo”, estrenada en el año 1988).

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SAINKHO (TUVA)

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Sainkho Namtchylak, una voz que nos llega de la remota república de Tuva, situada al sur de Siberia , es una especialista del khoomei, cantos guturales y bifónicos que pertenecen a ancestrales tradiciones chamánicas . Esta técnica produce varios sonidos a la vez y una onda sonora muy poderosa que afecta a la consciencia de muchas formas beneficiosas. Consiste en una reverberación sonora (generada entre la faringe y la boca) que produce dos o más sonidos simultáneos con una ligera variación (alrededor de un armónico). En algunos casos, esta variación puede ser modulada de modo independiente.Es una música que centra su interés en la voz humana y, si bien se suele tocar acompañada de instrumentos sencillos (percusión principalmente), trata de encarnar un ambiente natural en el que el silbido del viento o los sonidos naturales predominan sobre la orquestación elaborada.


Sainkho Namtchylak es una cantante experimental, una de las artistas más singulares e inclasificables que existen, reconocida mundialmente, sorprende en cada nuevo proyecto, rompe con lo establecido, estamos ante un espíritu libre que no ha dejado de investigar y experimentar con su arte . Nacida en 1957, en un pueblo aislado en el sur de Tuva , experta en canto de armónicos, su música abarca avant-jazz, electrónica, composición moderna e influencias propias de su lugar de origen.Hija de una pareja de maestros de escuela, se crió en un pueblo aislado en la frontera entre Tuva y Mongolia, expuesta permanentemente a los cantos de armónicos vernáculos, algo que era exclusivo de los hombres. Sin embargo, aprendió gran parte de su repertorio tradicional de su abuela, y luego fue a estudiar música en la universidad local, aunque se le negó la calificación como profesional. En secreto, estudió el canto de armónicos, así como las tradiciones chamánicas de la región, antes de salir para continuar sus estudios en Moscú (Tuva era, en aquel momento, parte de la URSS).

Su último proyecto internacional está siendo presentado en las principales capitales europeas y lo ha titulado “Like a Bird or Spirit, not a Face “. Es la expresión al mismo tiempo literal e imaginada de un álbum profundo, compuesto e interpretado por la leyenda de Tuva, Sainkho Namtchylak. Desde hace tiempo deseaba poder trabajar con músicos del norte de África. Su productor Ian Brennan, había trabajado con el afamado grupo de músicos tuareg Tinariwen y organizó un encuentro entre Sainkho y la sección rítmica del grupo en Francia. En el espacio de apenas dos días, escribieron y grabaron suficientes canciones como para un disco doble. En el combinan de forma soberbia ambas tradiciones nómadas.

Cuando los tres artistas se separaron al final de la grabación coincidieron en el hecho de que la realización de este proyecto es simplemente una de las experiencias más hermosas en las que han participado. Cantada en tuvano, ruso e inglés, la prioridad atemporal y espiritual de esta música trasciende cualquier necesidad de cualificación o de género.

Quienes acudan a este concierto serán testigos de una colaboración sin precedentes entre una de las más grandes cantantes del canto bifónico y músicos tuareg de reconocida trayectoria, investigando conjuntamente caminos inesperados. Será algo absolutamente único, etéreo.

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NASEER SHAMMA & GUESTS (IRAK)


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Naseer Shamma nació en 1963 en la ciudad de Al-Kut, en la confluencia de los ríos Tigris y Eúfrates, al sur de Bagdad. Con solo 5 años de edad descubrió su vocación por el laúd, el instrumento por antonomasia de la música clásica árabe. A los 11 años, un Naseer preadolescente se reveló como un niño prodigio de la música, con su primer concierto. Estudió cinco años en el Conservatorio de Música Árabe de Bagdad, con maestros como As-Sharif Muhyi Addin, Jamil y Munir Bashir o Salman Shukr. En 1985, siendo aún alumnos del conservatorio participó en el Festival de la Música Árabe, celebrado en Francia, donde la crítica francesa le bautizó con el apodo de “El Joven Ziryab” (en referencia al gran músico de Al-Andalus). El “Gran Ziryáb” (Bagdad 789, Córdoba, 857), instruido por los músicos“mosulíes”, era un gran Músico en la Corte de Harun al-Rashidnin; debido a las intrigas palaciegas, fue expulsado de su país natal y se refugió en el Al-Andalus en tierras cordobesas. El “Gran Ziryáb” fundó la primera escuela-conservatorio en la Córdoba de los Omeya y su influencia se extendió pronto por otras ciudades (Sevilla, Granada, Toledo...). La dulzura de sus cantos y la genialidad de sus composiciones, transmitidas de generación en generación, configuran su leyenda.

Existe la creencia generalizada de que fue en Iraq donde nació el laúd, un instrumento que ha viajado a través de países y continentes, un elemento cultural fundamental en la región que abarca desde Oriente Medio hasta Asia. Más allá del Iraq de hoy, la música de Shamma habla de una profunda historia cultural arraigada en tradiciones musicales que en Mesopotamia se remontan a hace 5.000 años. De hecho, las primeras representaciones conocidas del laúd se dibujaron en la ciudad antigua que ahora es Nasiriyah, en Iraq. Shamma destaca hoy en una tradición que siempre ha tenido continuidad y cuyas raíces están ligadas a los orígenes de la civilización.

Naseer Shamma está reconocido mundialmente como uno de los mejores intérpretes de laúd de todos los tiempos y a la vez está considerado como un talento musical único. Naseer Shamma toca el laúd, combinando los viejos métodos con sus propias composiciones originales. Ha construido un laúd de ocho cuerdas según un manuscrito rescatado en Irlanda, del gran científico, músico y filósofo del Islam Abu Nasr Al-Farabi ,célebre teórico de la música del siglo IX. Este nuevo modelo de laúd, de 8 cuerdas en vez de 6, proporciona tonalidades distintas, ideales para los complejos temas que escribe e interpreta Naseer Shamma, donde el amor, la historia y el dolor se funden y se articulan.

Su interpretación musical no solamente se centra en la “Escuela Meditativa” del “laúd iraquí”, que se basa en los “Maqams” (modales de música árabe; los básicos árabes son 8 y los iraquíes llegan a más de 36 “maqams”), sino que también es gran conocedor de las otras dos escuelas: la turca y la egipcia. El “Maqam” iraquí es una forma de filosofía, cuya herramienta es la música y no las palabras. El “Maqam” es un sistema que aglutina los modos musicales árabo-iraníes y turcos; es un término árabe que define la expresión del estado de ánimo, inspiración y espiritualidad; en definitiva, el “lenguaje” que el músico extrae de las cuerdas de su Instrumento Musical. El “Maqam” fue utilizado y practicado por muchos Filósofos, Sabios y Científicos; el Maestro Ziryáb lo adoptó como ciencia y fuente de inspiración en el próspero Al-Andalus, creando con él diversas formas musicales y melódicas. La forma musical del “Maqam” ha sobrevivido a lo largo de los siglos, transmitiéndose de generación en generación.

Naseer Shamma ha profundizado en la Escuela de “Laúd iraquí” siendo conocedor de las escuelas turca y egipcia, así como de la persa y griega. También ha rescatado de los libros del antiguo Irak temas musicales babilónicos y asirios, para llevarlos a nuestra época, en un diálogo con el pasado.

Naseer Shamma, con su “Laúd”, consigue crear una exquisita variedad de registros y tiene una gran capacidad de evocación de otros instrumentos de cuerda; su “Laúd” a veces suena como una “Guitarra Española”, en otros momentos como un “Arpa”, y en otras ocasiones como una “Guitarra Portuguesa”. Su música no es únicamente Árabe (como se podría esperar de un músico iraquí) sino una mezcla de muchas músicas (especialmente mediterráneas).

Después de debutar en su Carrera Profesional, Naseer Shamma comenzó a componer su propia música. En el momento actual, es el instrumentista de “Laúd” más célebre del Mundo. Como intérprete, ha creado una técnica para tocar el “Laúd” (instrumento difícil de tocar) con una sola mano, como aportación y ayuda a los mutilados (amigos y alumnos suyos) víctimas de las dos últimas guerras de Irak. Exiliado político de su país (Irak) desde el año 1993 (con el antiguo régimen de Sadam Husein estuvo a punto de ser ejecutado en 1991), fue Profesor de Laúd durante cinco años (de 1993 a 1998) en el “Conservatorio de Música Árabe de Túnez”, donde se instaló tras su huida de Irak. Después de trasladarse a Túnez, comenzó a recorrer el Mundo dando conciertos para reunir fondos (parte de la recaudación de sus conciertos van a las ONGs que trabajan en Irak) para los niños iraquíes y enviar cargamentos de medicinas. Sólo regresó a su país en una ocasión (durante una semana, en 1977), acompañado de cuarenta Médicos egipcios.

Naseer Shamma está considerado un “guardián cultural” contemporáneo de la herencia musical árabe, y en los últimos años ha abierto varias escuelas de música, denominadas: “Beit al-Oud al-Arabi” (“La Casa Árabe del Laúd”), donde prepara a sus alumnos para convertirlos en Solistas del “Laúd” mostrando, así, otra faceta de su quehacer artístico. En el año 1999 fundó la primera escuela, en la ciudad de El Cairo, en Egipto, y ha abierto otras escuelas en Argel, Abu Dhabi, Doha, Qatar y en Jartum (Sudán). Dice Naseer Shamma: “Los estudiantes salen de las aulas con un equilibrio y una belleza interna que no tenían cuando ingresaron en la escuela”. Y añade: “La música puede romper las barreras y las limitaciones ideológicas, disuelve la cerrazón de las mentes, pero también sirve como un instrumento de resistencia contra la injusticia”. Con el objetivo de promover estas ideas,Naseer Shamma ha creado una Orquesta llamada “Los Mejores Sonidos del Mundo” en la que 20 jóvenes talentos, de 20 países, religiones, y razas distintas, formados en su escuela, recorren el Mundo. “Ahora estamos creando una nueva generación musical ”, explica Shamma. “En los ojos de los jóvenes vemos nuestro futuro. Estamos construyendo paz por medio de la música, manteniendo nuestra cultura”.

En el año 2012 Naseer Shamma ha creado el proyecto “The Global Music Ensemble”. Para este proyecto, este gran Artista se une a Músicos de renombre, procedentes de Italia, España, Puerto Rico, Grecia y Colombia, en un viaje que certifica el poder unificador de la Música. Junto al gran Laudista Naseer Shamma, participan en el proyecto: Niño Josele (un reconocido y famoso Guitarrista español, exponente del “Nuevo Flamenco”),Giovanni Hidalgo (gran Percusionista de Puerto Rico que combina la “Música Latina” con el “Jazz”, con los sonidos de la América Latina y con una gran influencia del “Jazz Fusión”), Vassilis Saleas (el Clarinetista más importante de Grecia y que ha venido trabajando con Vangelisdesde el año 1990), Edmar Castaneda (Compositor colombiano y un gran virtuoso del Arpa) y Cesare Picco (aclamado Pianista italiano que ha trabajado con Michael Buble, Al Jarreau, y Simply Red, entre otros).


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JAI-JAGDEESH (USA)


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Jai-Jagdeesh vive y respira a través de su creatividad. Nacida en los años 80 en el seno de una familia de Kundalini yoguis , Ravinder Kaur y Sat Kartar Singh, siempre estuvo rodeada por el yoga, la meditación y los cantos sagrados. Desde muy pequeña ,mucho antes de que comenzara a ir a la escuela ,ya se sentaba frente a un armonio. Sus padres, ambos, seres muy musicales, le enseñaron a cantar shabad , (himnos de la fe sij), y mantras de Kundalini yoga. Unas décadas y muchas aventuras más tarde, sigue rodeada de esa atmósfera y se siente muy agradecida por ello.

El viaje de Jai-Jagdeesh como cantante comenzó hace más de 20 años, en un templo en la India. Mientras estudiaba en un internado en Amritsar , viajaba por todo el norte de la India como representante musical del programa de educación exterior de Yogi Bhajan (ahora Miri Piri Academy), cantando kirtan .Viajaban allí donde la escuela era invitada, compartiendo kirtan en gurdwaras y ashrams de todo el norte de la India, en los desfiles por las calles de Amritsar, y, una vez al mes, en la entrada del Golden Temple, según lo solicitado por Yogi Bhajan para ayudar a curar la heridas de los 1984 ataques militares que habían demolido partes de este lugar sagrado. Jai-Jagdeesh dice que la experiencia fue "una bendición, aunque no lo supiera apreciar como tal hasta años más tarde. Todavía tenía que madurar ."

A lo largo de su infancia , se zambullía de cabeza en cada expresión artística con la que se topaba. Un año era la fotografía, otro año era la escritura y la pintura, a lo largo de la enseñanza secundaria fue la danza clásica de la India , inspirada como no podía ser menos por las películas de Bollywood , y tras ello llegaría la atracción por el arte dramático y la interpretación.la única afición que permanecía constante año tras año era la música.

Un tío honorario y amigo de la familia desde hace muchos años, fundador de Spirit Voyage llamado GuruGanesha Singh ,fue siempre un defensor de la inquietud creativas de Jai-Jagdeesh. En el otoño de 2008, estaba planeando una gira de conciertos con el entonces artista emergente Nirinjan Kaur, y buscaba algo diferente. Así fue como Jai-Jagdeesh debutaría una noche haciendo unos coros Y desde ese momento llegaría a la conclusión de que lo que realmente quería hacer era cantar. A lo largo de los 18 meses siguientes, Jai-Jagdeesh regresó a sus raíces , a enseñar Kundalini yoga varias veces por semana, a sentarse delante de su armonio, a cantar las canciones que conocía desde la infancia. Y en seguida las compuertas creativas se abrieron: de repente y de forma inesperada, ella había comenzado a componer música. Una vez más, llena de reticencias y excitación simultánea, compartió algunas de sus composiciones en el Guru Ram Das Ashram Gurdwara (templo) en Los Ángeles. Envalentonada por las amables palabras de un par de amigos y extraños, Jai-Jagdeesh decidió llegar hasta un productor musical.

Así fue como en 2010, Jai-Jagdeesh se unió a la discográfica Spirit Voyage . Su álbum debut, “I Am Thine,” (Yo Soy Tuyo), una combinación de mantras sagrados y poderosas letras en inglés, fue lanzado en el verano de 2011, conviertiendose en un récord de ventas . Comenzó a viajar por todo el mundo donde se realiza el festival Sat Nam Fest, deleitando a las multitudes con su conmovedora voz y estilo profundamente auténtico. Después sacaría su primer CD de meditación de Kundalini mantra, “The expansive Spirit”, como parte de la compilación de Spirit Voyage , “Meditation for Transformation” , a principios de 2012. Su segundo álbum de larga duración, 'Of Heaven & Earth ", llegó al número seis 6 de la revista Billboard en la sección de New Age.,en las primeras semanas de su lanzamiento ,en otoño de 2013, y todavía se escucha en las emisoras de medio mundo.

Jai-Jagdeesh ha grabado otro CD de meditación, que ha sido publicado en Febrero de 2015, con el título “Miracles Abound” (Los milagros abundan ). Jagdeesh continúa grabando, realizando y expresando la creatividad desde lo más profundo de su corazón. Con humildad, gracia y bondad, ella aporta un poquito de danza y mucho amor all mundo del kirtan.


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ANTONIO FERRARA (ESPAÑA)


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Antonio Ferrara es un reconocido cantante, compositor y productor español que lleva más de 15 años trabajando con grandes artistas como Malú, Sergio Dalma, Pastora Soler, Carlos Jean, Roko, etc...Su incansable búsqueda de la pureza sagrada del sonido y la frialdad competitiva de la industria discográfica le han llevado a una nueva etapa donde poner al servicio del mundo su don musical para sanar  e inspirar con canto de armónicos, (“LA VOZ DEL ARCOIRIS”) y con canciones sobre  la evolución de la consciencia humana que han quedado plasmados en dos nuevos CD's: “Karma Game” y "Pure Intentiosns Vol.1" donde se fusionan el Pop armónicos. Se autodenomina un "intronáuta" de la música donde dice encontrar paraísos sonoros interiores que todos tenemos.


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El Misterio de las Voces Bulgaras

Programa

 

Esta formación fue fundada en 1952 como el Coro Femenino de la Radiotelevisión Búlgara. Ya entonces estábamos hablando de una formación de gran calidad artística y un atractivo popular enorme. Su principal cometido era grabar música original adaptada a coral folklórica de varias voces para ser grabado en la radio primero y después en la televisión de Bulgaria.

Marcel Cellier, productor musical suizo, descubre la belleza de las canciones populares búlgaras, se queda estremecido con las cantantes, con esas voces tan particulares, con su virtuosismo vocal. En 1975 lanza su primer álbum,Volumen I, que él tituló "Le Mystere des Voix Bulgares" (El Misterio de las Voces Búlgaras). El disco pronto se convirtió en un fenómeno de ventas. En 1987 se grabaría el Volumen II, con el que más tarde obtendrían en Estados Unidos el prestigioso premio "Grammy", que viene a ser como el equivalente al "oscar" de la industria discográfica. Será a partir de ese momento cuando la coral pasará a llamarse de forma oficial "Le Mystere des Voix Bulgares".

El año 1988 el grupo empezó a realizar giras triunfales por todo el mundo,cinco en EE.UU. y Canadá, tres en América Latina, giras anuales en los países europeos, conciertos en India, Hong Kong, Australia. El CD llamado "Rituales" fue publicado por el prestigioso sello americano Nonesuch . La compañía Warner Brothers también dio a conocer los volúmenes de Cellier I, II, III (1990) vendiendo más de un millón de copias a nivel internacional.

Esta formación compuesta por veinte cantantes está dirigida desde hace muchos años por Dora Hristova . Posee un exótico estilo multi- vocal, con canciones elegantemente decoradas, que combinan melodías populares con sofisticadas armonías y ritmos convincentes. El repertorio del coro se extrae de los arreglos creados por los compositores búlgaros más apreciados como Felipe Koutev, Kyurkchiyski Krassimir, Kaufman Nikolai, Lyondev Petar, Ivan Spassov, Moutafchiev Stefan, Kiril Stefanov, etc .Las cantantes que integran el grupo son las mismas que ganaron el Premio Grammy en 1990 y la admiración de superestrellas del pop como Paul Simon, Linda Ronstadt, George Harrison, Bobby McFerrin, y muchos otros en todo el mundo.


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Pandit Vishwa Mohan Bhatt & Divana

Programa

Por primera vez en España podremos apreciar este espectáculo lleno de emociones en el que se mezcla el arte hindoustani con las tradiciones populares del desierto, los cantos ancestrales religiosos con las canciones profanas de la mano de los grandes maestros llegados desde las lejanas tierras de Rajasthan , en India.

Para Pandit Vishwa Mohan Bhatt la música es el vehículo para dialogar con Dios. El piensa que Dios creó el lenguaje de la música por el bien de toda la humanidad . Es un virtuoso de un instrumento llamado "mohan veena", una especie de guitarra que es sitar a la vez y en algún momento sarod y al que el ha añadido 14 cuerdas para aumentar su presencia y permitirle además de técnicas tradicionales ya fascinantes, aventurarse en improvisaciones alejadas de su tradición como el blues ó las canciones hawaianas. Su nombre Vishwa Mohan significa literalmente "encantador del mundo", en competencia con los encantadores de serpientes que tanto abundan en el desierto del Thar. Está considerado en India uno de los grandes maestros de la música. Seguidor de las enseñanazas del gran músico del siglo XVI Tansen, considerado el padre de la música clásica hindustaní , fue el primer discípulo de Ravi Shankar y el inventor de este instrumento "divino" , que se daría a conocer mundialmente en 1994 cuando obtuvo el premio Grammy por su disco junto a Ry Cooder "A Meeting by the River" donde junto al gran icono estadounidense se revela no solo como un maestro de la improvisación sino también como un maestro de la composición. Además de Ry Cooder ha colaborado con artistas como Taj Mahal , Bela Fleck ó Simon Shaheen.

Junto a el participan en este concierto el ensemble Divana formado por músicos y vocalistas"manghaniyar" y "langa". Su arte combina la tradición culta y refinada de los principados que existían en Rajasthan (en sánscrito, país de príncipes) y la cultura más popular. Su repertorio se compone sobre todo de los llamados "bhajan" , cantos devocionales dedicados a Krishna (una de las deidades hindúes), bajo la epopeya de Mira Baï , la joven princesa que ofrecería su vida a la encarnación de Vishnu (otra deidad hindú). La intensidad de su canto se refuerza por un dúo rítmico de gran precisión gracias al kartal (especie de castañuelas) y al dholak ( tambor transversal). Estos músicos poseen la majestuosidad y la elegancia del lugar mágico del que provienen. Desde hace 25 años actuan en lugares tan prestigiosos como la ópera de Sidney, la velada organizada por Yehudi Menuhim y Ravi Shankar titulada "Del laud a la guitarra", festivales dedicados al pueblo gitano, la banda sonora de la legendaria película "Latcho Drom" del director Toni Gatlif o incluso en el circo francés Zingaro dirigido por Bartabas.

 



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