Artistas

imagen6Mark Pulido

A los 19 años, después de sufrir un accidente de coche que le llevó cerca de la muerte, tuvo una experiencia en su propio cuerpo del efecto sanador del sonido del Didgeridoo de los aborígenes australianos. Esto le despertó el interés por este tipo de instrumentos y le llevó a la búsqueda de nuevas sonoridades con capacidades sanadoras. En el año 2004 viajaría a Suiza donde conoció a Félix Rohner y Sabina Schärer, creadores del Hang.

Desde entonces se especializó en este particular instrumento de percusión melódica. La búsqueda de si mismo y de nuevos instrumentos sagrados le llevaron en 2008, a vivir 8 meses en la India. En aquel viaje mágico surgió la inspiración de este proyecto y todo su desarrollo intelectual : Khyma – sonido, luz y geometría - y allí también se produjeron los primeros contactos con sus inventores.

En una comunidad espiritual conoció las “Bilas” , campanas planas de altas frecuencias vibratorias que el luthier Alexander Zhikharev había donado a esa comunidad. Al salir de un retiro de silencio de 7 días, Mark escuchó por primera vez el sonido de las Bilas, y tuvo una experiencia tal que no pararía hasta encontrar a Alexander. Al cabo de 2 años, sin medios materiales y sin hablar ruso empezó a abandonar la idea del proyecto pero justo en ese momento, el destino le hizo conocer por “casualidad”, en Barcelona, a una chica rusa, que sería pieza clave en todo el proceso , poniendo en contacto a su familia que residía en Moscú con el ilocalizable Alexander Zhikharev . Una serie de coincidencias y de señales propiciaron que Alexander conociese el Proyecto y decidiera apoyarlo construyendo unas campanas para Mark.

Las Bilas son un instrumento de nueva creación descubierto en 1988 en Rusia. Las propiedades de este instrumento y su potencia sonora tanto en espacios cerrados como al aire libre, permiten hacer conciertos muy especiales sin amplificar. La increíble duración de su sonido y el amplio abanico de armónicos y frecuencias llegan a grandes distancias, siendo incomparable con cualquier otro instrumento existente. Las Bilas tienen una potencia sonora extraordinaria, llena de harmónicos y vibraciones, que elevan anímicamente al oyente. Es igual a qué distancia lo escuches, sus efectos son altamente positivos. Y tocándolas una vez es suficiente para crear armonía a su alrededor. Las Bilas más grandes, emiten infrasonidos y ultrasonidos, sonidos que están por debajo y por encima de nuestro umbral de audición. A un nivel consciente no podemos percibirlos aunque igualmente los recibimos y son precisamente las frecuencias más beneficiosas para el cuerpo y la mente. Alexander Zhikharev, creador de las campanas planas , dedicó casi 20 años a la investigación de metales sonoros y posibles formas de su elaboración.

Descubrió las campanas planas al seguir la atracción que sentía por unos sonidos fuertes, hermosos y potentes que él escuchaba en su interior desde su infancia. Al darse cuenta, a la edad de 20 años, que el sonido que escuchaba en su interior desde pequeño, no existía en el mundo que le rodeaba, comenzó a estudiar para crearlo. Vio que el sonido que más se parecía con lo que él buscaba, era el sonido de las campanas clásicas. Desde entonces se pasó 10 años estudiando y después fabricando campanas tradicionales. Estudió todos los secretos y los misterios de las campanas tradicionales, su forma, materiales y todo lo relacionado con este mundo, pero no acababa de sentirse satisfecho, su finalidad eran sonidos más potentes, armoniosos y bellos. Tuvo que seguir investigando pues era un proceso que iba en contra de todos los medios y fuentes de información, ya que estos decían que no se podía elevar el alma de una persona tan alto y que no había ningún sonido más allá que el de una campana clásica. Alexander no se sentía convencido y como muchos constructores de campanas siguió el camino de complicar aún más su forma.

De repente vio que estaba equivocado y que había que ir en dirección contraria, hacia lo sencillo, hacia formas más simples y dirigió sus investigaciones otra vez hacia la tradición. En Rusia el verbo golpear suena como “bit”, de esta palabra proviene el nombre de “Bila”. Principalmente la Bila, era un antiguo instrumento que llegó a Rusia a finales del siglo X y provenía de los cultos religiosos Bizantinos. Era un antiguo instrumento de los monasterios rusos y su finalidad era reunir a la gente para anunciar algo a través de un sonido vacío y que se escuchara fuerte en todos los rincones del pueblo. Inicialmente se construían de madera y después se empezaron hacer de metal.

El maestro campanero Alexander Zhikarev dio a las Bilas un significado absolutamente nuevo y nos regala a todos un nuevo y sorprendente mundo de sonidos. Dedicó muchos años a la investigación de un equilibrio ideal entre la forma de la Bila y el material en que está fabricada. Utilizando una combinación especial de metales laminados, consiguió el increíble y prolongado sonido de la Bila. Finalmente en 1988 Alexander creó las campanas planas y al combinar Bilas de diferentes tonos, creó un instrumento sin precedentes con una sonoridad sorprendentemente eufónica y poderosa, las cuales resultan capaces de producir estos sonidos divinos que él buscaba.

El éxito de las campanas en el campo curativo llega a conocerse en toda Europa y su particular sonido, único en el mundo, creo mucho interés rápidamente. Los primeros en encargar el instrumento fueron los sacerdotes ortodoxos para los campanarios de los templos de Moscú y sus alrededores, luego llamó la atención de médicos, psicoterapeutas y artistas de todo el mundo, que le pidieron campanas. Alexander decidió renunciar a los encargos ya que suponía un volumen imposible de asumir, porque cada campana se fabrica con sus propias manos y no le gustaba tener que decidir a quién hacer las campanas y a quien no. Desde entonces dejó de fabricarlas y sólo en ocasiones puntuales y muy especiales se decide a hacerlo.. Para Alexander no es un negocio, nunca ha definido el precio de sus campanas ya que son mucho más que dinero, son la esencia de su vida. Nadie más en todo el mundo sabe fabricar las campanas con las mismas cualidades que las Bilas. Tras varios intentos para que Alexander viniera a España, en Mayo de 2011, llegó desde Rusia para pasar unos días en el estudio de Mark Pulido en Terrassa, y construir un juego de Bilas, que sería el primero para un país de la Europa Occidental. Alexander dijo refiriéndose a este juego de Bilas: “El instrumento que he fabricado para Mark es el único en Europa. No hay ningún otro instrumento con estas características, ya que solo se han fabricado campanas sueltas para Centros de psiquiatría en Suiza y Alemania, que no se pueden valorar como un instrumento completo. Me alegra saber que ahora en estas tierras existen estos preciosos sonidos. He trabajado como si lo hubiera hecho para mí. Estoy contento con mi trabajo. Confieso que ha sido bastante complicado porque no fue solo crear un instrumento musical, sino dotarlo de propiedades adicionales para que influencie positivamente en las personas.

Para esto hay que afinarlo con mucha más dedicación que otros instrumentos , hay que evitar cualquier fallo porque uno puede engañar el oído de una persona pero nunca puede engañar a su subconsciente”. Festival Mantras www.festivalmantras.com https://www.facebook.com/FestivalMantras?fref=ts Inspirado en el conocimiento sobre el poder del sonido usado desde siempre en ceremonias y rituales chamánicos y en todas las practicas de las diferentes disciplinas espirituales, Mark Pulido desarrolla un nuevo concepto musical para hacer conciertos de cura y meditaciones grupales.

Con su música, busca crear experiencias de trascendencia donde llevar al publico a elevados estados de conciencia. Sus conciertos persiguen principalmente provocar una experiencia espiritual en los oyentes, mas alla de cualquier concepto acústico o estilo musical. Partiendo de un instrumento con unas propiedades especiales y siendo uno de los pocos interpretes del mundo, investiga nuevas sonoridades para crear diferentes atmósferas que aluden a resonancias galácticas, ecos y voces, combinando composiciones melódicas llenas de armónicos, vibraciones y espacios silenciosos para expandir las limitaciones de lo conocido y invitarnos a adentrarnos a un viaje interior donde experimentar la pureza del sonido y la vibración en nosotros mismos. Las Bilas es un instrumento de la nueva Era descubierto en 1989 y como muchos instrumentos que están apareciendo recientemente, lleva desde su descubrimiento un propósito de servir al despertar de la conciencia. Las 58 campanas planas forman el juego de Bilas más grande del mundo actualmente construido.

En cada Bila, desde su fabricación, hay cuatro o cinco sonidos armónicamente entrelazados entre si y algunas de las afinaciones emiten frecuencias de efecto binaural. Cuando se hacen sonar varias Bilas a la vez, gracias a la increíble duración de su sonido y al amplio abanico de harmónicos, emergen mundos sonoros que llegan a grandes distancias, modificando las ondas cerebrales, estimulando y armonizando la frecuencia correcta del cuerpo físico, mental y espiritual y llevando a la persona a estados de meditación y de relajación profunda. Una propuesta auditiva para abrir la mente, entregarse y vivir una experiencia meditativa única que no deja indiferente!

 
 

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Toumani Diabate y Sidiki Diabate


La familia de las arpas cuenta con un miembro que, comparativamente, es muy poco conocido en Occidente, pero que sin embargo es uno de los instrumentos más extendidos en África : la Kora. La Kora es el arpa del África del Oeste, concretamente de la etnia Mandinga y de la casta de los Djelis, zona situada en la actual Senegal, Casamance, Gambia, Mali, Guinea. Consta de una caja de resonancia construida con media calabaza de gran tamaño sobre la que se tensa una piel (tradicionalmente, cuero de vaca) que se fija a la calabaza con clavos o tachuelas de cobre.

A esta caja se le agrega un largo mástil cilíndrico, al que van fijadas las cuerdas y un puente  lo bastante alto como para que, colocadas las cuerdas sobre las distintas muescas en el lateral a distinta altura, genere un abanico de cuerdas paralelas como el de un arpa. Tradicionalmente, cuenta con 21 cuerdas , hechas antiguamente con tripa de animal, pero que hoy en dia son cuerdas de nylon. Estas van atadas al mastil mediante unas anillas correderas de cuero, cuyo movimiento permite alterar la afinación de cada cuerda para ajustarla a alguna de las escalas heptafónicas comunes en la música de la kora. La interpretación se realiza solo con los dedos pulgar e indice de cada mano, mientras el resto de la mano se utiliza para sostener el instrumento mediante dos mangos cortos.

La intepretación suele tener un caracter muy rítmico. El nivel de virtuosismo, la velocidad interpretativa y las posibilidades sonoras alcanzados por algunos interpretes resulta sorprendente si pensamos en un instrumento en el que solo se utilizan cuatro dedos. La tradición en el uso de la kora está vinculada a la tradición de los griots, una suerte de bardos, cuentacuentos, poetas, que solo se encuentran en la tradición y la cultura mandinga, cuya antigüedad se remonta al siglo XII. Los griots gozan aún en la actualidad, de una gran consideración social, y son la referencia de la tradición, de la memoria cultural y la genealogía de su entorno, así como un elemento casi indispensable en cualquier reunión social .Ellos son maestros de la palabra y de ceremonias, responsables de educar al pueblo, historiadores, expertos en genealogía, consejeros del emperador y de los reyes cuando los hubo y ahora de los gobernantes, mediadores y diplomáticos, cantores y músicos. Son los guardianes de la historia ya que fue una cultura donde toda su transmisión era oral. Por lo tanto tienen la responsabilidad de ser un puente entre el pasado y el presente con la obligación estricta de ser fieles a la verdad. Por encima de cualquier otro intérprete de kora, Toumani Diabate ha sido quien introdujo este instrumento en occidente. Toumani Diabate nació en en Bamako (Malí) en el seno de una familia excepcional de griots .

El es la 71 generación de intérpretes de kora, tradición transmitida de padres a hijos. La música de Toumani tiene una expresividad y belleza que provienen del poder de la antigua tradición griot de Mali a la que él incorpora nuevos aires y territorios. Está en la vanguardia de una nueva generación de griots que buscan constantemente modernizar esta tradición al mismo tiempo que la honran. Toumani Diabate es un músico virtuoso con una creatividad excepcional y ha situado a la kora junto a los más grandes instrumentos . Una enfermedad cuando era niño le dejó con una pierna paralizada que le ha forzado a caminar toda su vida con muletas.

Esto por supuesto ha afectado a su movilidad, pero no a su espíritu. En un país como Mali, Toumani ha tenido que recorrer un difícil camino para llegar al lugar que hoy día ocupa. Toumani Diabate ha obtenido dos premios Grammy por sus discos con Ali Farka Touré, ha sido invitado a participar en los trabajos de artistas mundialmente reconocidos como Taj Mahal Bjork, Damon Albarn ó Herbie Hanckock ó la London Symphonic Orchestra. En España se le recuerda por el inolvidable proyecto Songhai junto a Ketama.

En 2014 Toumani Diabate ha grabado un disco muy especial junto a su hijo Sidiki Diabate, la 73 generación, que acaba de ser nominado recientemente a los premios Grammy 2015, cosechando un gran éxito internacional y siendo elegido disco del año por prestigiosas publicaciones como el suplemento cultural de El País, Babelia , entre otros. Sidiki Diabate es una estrella del hip hop en Africa del Oeste junto al cantante Iba One pero ha aparcado sus conciertos en grandes estadios para mostrar a los auditorios occidentales junto a su padre que la tradición continúa. Sidiki Diabate a pesar de su juventud es un músico con una técnica sorprendente que en esta colaboración junto a su padre mantiene unos diálogos instrumentales sublimes.

 

 

   

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Deva Premal (Núremberg, Alemania; 1970), es una cantante conocida por su música New Age meditativa espiritual, que introduce antiguos mantras en una atmósfera actual.[cita requerida]
Deva es compañera en la vida y en la música de Miten, con quien se encontró en el Osho Ashram de Pune (India) en 1990. Juntos componen música y ofrecen conciertos por el mundo entero.


Más conocida por las ventas de CD de cánticos, Deva tiene formación musical clásica pero creció cantando mantras en su hogar alemán, hogar impregnado de espiritualidad oriental. Sus álbumes han encabezado las listas de New Age en todo el mundo desde el lanzamiento deThe Essence, con el Gayatri Mantra. Su sello discográfico, Prabhu Music, ha vendido más de 900.000 álbumes


En una entrevista con Sam Slovik, del LA Yoga Magazine, Deva habló sobre el gran efecto que causa en muchos oyentes cuando canta mantras en sánscrito.
A menudo, las canciones de Deva se han sido utilizadas por otros artistas como Cher, que versionó el Gayatri Mantra en su Farewell Tour, la bailarina rusa Diana Vishneva, o el actor y director Edward James Olmos, entre otros.


Deva y Miten actuaron para el Dalai Lama durante la conferencia de 2002 en Múnich (Alemania) por la "Unidad en la dualidad",que reunió a figuras importantes de la comunidad científica junto con miembros de la comunidad budista.


El último lanzamiento de Deva, Tibetan Mantras For Turbulent Times, fue grabado con los monjes Gyuto del Tíbet con objeto de apoyar la práctica de la meditación y contiene ocho mantras cantados 108 veces cada uno. Se trata de un CD benéfico cuyas ganancias irán a parar a la Orden Gyuto en Dharamsala (India) el Proyecto Phowa y Veggiyana.

 

 

 

 

   

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Luzmila Carpio está considerada en la actualidad como la gran estrella de la música andina. Nació en una aldea perdida entre las montañas y es descendiente de una de las civilizaciones culturalmente más brillantes de la historia que alcanzó su esplendor poco antes de desaparecer como consecuencia de la conquista de América. De origen Quechua -Aymara, siempre ha sido consciente de la riqueza de sus raíces y del peligro de que estas desaparezcan.

Cuenta que su madre le enseñó desde pequeña a inspirarse en la belleza de la naturaleza y en los cantos de sus ancestros. Intérprete de charango, autora y compositora, en sus canciones relata la realidad de su comunidad, sus tradiciones y sus ritos religiosos. Luzmila Carpio posee una de las voces tradicionales más bellas del mundo . Su forma de cantar es incomparable y diferente a cualquier otra , capaz de alcanzar tonos muy altos.

A través de esa voz quejumbrosa y penetrante, estas piezas vocales escalofriantes, acompañadas por instrumentos tradicionales como las flautas andinas, evocan los elementos naturales de Bolivia, imitando los cantos de  aves como la gaviota ó los pájaros cantores ó el silbido del viento . Destaca la alta calidad de su repertorio ,extraído con rigor de una tradición que se perdía e interpretado con el timbre único de quien ha tenido que luchar mucho para que eso no sucediera. El contenido de sus composiciones, en su mayoría cantadas en quechua refleja la relación del hombre de los Andes, con la naturaleza : “Utilizo el lenguaje y la música de mi pueblo, la de la tierra india, la de nuestras montañas, nuestros lagos, la del aire que respiramos.

Yo canto mi amor por la tierra que me vio nacer, la tierra de mis ancestros , la Pachamama, la Madre Tierra, canto a la armonía y al amor, a la función de la mujer en nuestra civilización, a la convivencia del hombre con la naturaleza dentro de un orden cósmico, canto a nuestras tradiciones, que no deben perderse. " Su trabajo creativo es una brisa fresca absolutamente llamativa y cautivadora que fluye a través de octavas revelando un antiguo conocimiento que nos toca el corazón . Su reconocimiento internacional le ha llevado a mostrar las canciones, las tradiciones y la historia de los indígenas de Bolivia al resto del mundo. Desde 1969 cuando grabó su primer tema ha publicado más de 15 discos , de los que cuatro de ellos han sido disco de oro .Sus giras por todo el mundo han obtenido siempre un gran éxito de crítica y el respeto de seguidores y artistas tan variopintos como Manu Chao, Mercedes Sosa ó Yehudi Menuhin quien dijo sobre ella, "Luzmila Carpio es un violín que canta".

   

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Ashraf Sharif Khan, nacido en 1969 en Lahore (Pakistán), pertenece a una familia de grandes músicos, siendo hijo y discípulo del celebre Maestro de Sitar Ustad Muhammad Sharif Khan Poonchwala que pertenece a la escuela tradicional llamada Poonch Gharana. Ustad Muhammad Sharif Khan ha sido contemporáneo de otro grandes Maestros y Virtuosos del Sitar como Ustad Vilayat Khan y Pandit Ravi Shankar.

Ashraf ha sido un niño prodigio, mostrando su brillante talento a la edad de diez años. Y ha sido educado y formado dentro de la tradición musical heredada de padre a hijo. La música de Ashraf combina una asombrosa capacidad técnica y perfeccionismo con una gran expresividad musical. La belleza melódica de su estilo, acentuada por el desarrollo rítmico y el virtuosismo técnico, lo hace poseedor de un estilo único e inconfundible. Su música sobrepasa las fronteras regionales, y es accesible a todos los oyentes de la música clásica de Oriente. Su primera actuación a la edad de diez años dejó una fuerte huella en el publico de Pakistán.

A partir de este momento realizó conciertos por todo el país. En 1990 recibió el Premio Khwaja- Khurshid-Anwar Award y el Premio Hazrat-Amir-Khusro. En 1992 fue seleccionado por la United States Information Agency para representar a Pakistán en el Festival International Sound Celebration en la ciudad de Louisville-Kentucky (Estados Unidos). En 1997 recibe en Sri Lanka el Premio Colombo University Kelaniya. Durante estos años Ashraf realiza numerosas giras en las principales ciudades de Pakistán, Sri Lanka, y viaja asiduamente a Europa y Estados Unidos. En 1999 es invitado a participar a varios Festivales Internacionales, como el prestigioso Festival Medina de Túnez, el Sugar Hall de Okinawa en Japón, el Symphony Space en New York, Opera del Cairo en Egipto, Festival Arabesque en Montpellier (Francia), Festival du Monde Árabe en Montreal, Oslo Mela World Festival, Fusion en Neustrelitz y Oberjazz en Hamburg (Alemania).Aparece con frecuencia en programas de radio y televisión de las principales cadenas europeas.

Ha participado en el documental Enzo Avitabile Music Life (2012) dirigido por el director Jonathan Demme, ganador de un Oscar por El silencio de los Corderos. Es profesor de Música Clásica del Sur de Asia en la Academia Noruega de Música de Oslo. Ashraf Sharif Khan también explora géneros musicales como el jazz y la world music, y ha colaborado con artistas contemporáneos de renombre internacional como Tina Turner , Trilok Gurtu, Naseer Shamma, Shabaz Hussain, Cesare Picco… “Creo que la música es el medio perfecto para expresar las emociones”, explica el mismo Ashraf. “En la música del Sur de Asia, cada tema (raga) encarna un “estado”, tiempo, estación del año o momento del día. En cada actuación intento encontrar la música y el camino, a través de ella, para capturar el sentimiento de mi corazón y compartirlo con los oyentes, para que ellos reciban lo que yo siento. Cuando lo consigo, parece que la música toma vida propia, animándome a mi y animando al público.”

 

nantha-3Acompañará a las tablas a Ashraf Sharif Khan el tablista Nantha Kumar. Nieto del ya fallecido Sr. Retnam, Maestro de música Karnataka del sur de La India, nació niño prodigio y comenzó a tocar por si solo a la edad de cinco años. Empezó a estudiar tabla a la edad de siete años, bajo la supervisión de su primer maestro el Sr. Sinniah y la del Sr. Bairavan ambos del sur de La India, ellos fueron los que le iniciaron en el terreno de los ritmos del sur de la India. Estudió también tabla Punjabi Gharana (escuela Punjabi), con los maestros Gurus Gurucharan Singh y Charangit Singh, donde obtuvo un diploma de Música Clásica del norte de La India. Sus mayores influencias provienen de sus ídolos del Norte de La India, Ustad Alarakha y el ahora contemporáneo Ustad Zakir Hussain.

Después de cumplir diecisiete años, su inagotable curiosidad le empujó a investigar otras percusiones del mundo como el yembé africano, las congas latinas, bongos y otros muchos y variados instrumentos de percusión, todos de orígenes étnicos muy diferentes. A finales de los 90 Nantha se relacionó con el jazz y músicas contemporáneas del mundo. Tocó y grabó con grandes del Jazz en Asia como Jeremy Monteiro, Eugene Pau and Lewis Pragasam.

En 1999 comienza a vivir en Madrid. Desde entonces ha trabajado y grabado con los mejores artistas de España entre los que se incluyen Chano Domínguez, Nono García, Carmen París, Jose Antonio Ramos, Polo Ortí, Pepe Torres, Carita Boronska, Ketama y Bidinte. También se dedica a la producción haciendo arreglos para otros artistas y ofreciendo talleres y seminarios.

En 2000 Nantha participa en la formación del proyecto Flamenco-India-Jazz, “Jaleo” con Louis Winsberg, guitarrista de jazz fusión, el cual está siendo un éxito por toda Francia y Europa. “Jaleo” participa en el año 2003 en el muy prestigioso Festival de Jazz de Montreal y realiza una gira por New York ,New Orleáns y más de 25 paises del mundo.

Hoy en día continúa promoviendo la música India en el mundo y en España siendo un habitual de los conservatorios de Salamanca, la universidad de Valladolid y Casa de la India en Madrid impartiendo seminarios y talleres.
Su mayor aspiración es promover la música india, la espiritualidad y cultivar el arte de la percusión.

 

 

 

 

   

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Eduardo Laguillo es uno de los intérpretes, arreglistas y productores más importantes de nuestro país. Ha colaborado estrechamente con los grandes nombres de la música española. Comienza a tocar la guitarra de manera autodidacta a los 9 años de edad, Entre 1974 y 1980 forma, en Barcelona, los grupos “Apio” y “Unidad Móvil”, de rock sinfónico y pop respectivamente. Influenciado por los colores y ambientes del Mediterráneo, las armonías polimodales y la música callada de Federico Mompou, compone, entre 1980 y 1986, piezas para piano, tríos, cuartetos y lieders, de los que cabe destacar una serie de canciones sobre poemas de Joseph von Eichendorff. En 1990 sale al mercado su primer disco “Hay algo en el aire”, editado por Taxi Records, con gran acogida por parte de la crítica. “Manoa”, es su segundo trabajo en solitario, y en él recoge composiciones de 1993 a 1996.

Aquí, Laguillo se consolida como uno de los músicos españoles más interesantes y de mayor proyección internacional. En 2007 publica su tercer trabajo discográfico “Ya Wadud” con el sello discográfico Nonprofitmusic cuyos beneficios son destinados a la ONG Médicos sin fronteras. Ha colaborado con músicos como Gato Perez, Sisa, Luis Eduardo Aute, Pablo Guerrero, Suso Saiz, Javier Paxariño, Radio Tarifa , Eliseo Parra…ha escrito música para la compañía de teatro Dagoll Dagom, para la compañía Ibérica de Danza… Desde 1989, movido por una sed de crecimiento interior, viaja asiduamente a la India, donde estudia música clásica india con S.B. Shrivastava. En 1995 se inicia en Calcuta en el sarod (instrumento indio de 25 cuerdas) con Shyamal Nath, discípulo del maestro Ali Akbar Khan.

En este periodo se interesa profundamente en los ritmos, escalas y modos de dicha música. Desde entonces se ha interesado por el aspecto más curativo y sanador del canto y la interpretación En su participación en el Festival presentará un concierto de música original sobre poemas de Rumi y mantras de distintas tradiciones bajo el título “El Canto Deseado". “El corazón del hombre es un instrumento musical, contiene una música grandiosa . Dormida, pero está allí, esperando el momento para ser interpretada, expresada, cantada, danzada. Y es a través del amor que el momento llega.” (Palabras de Yalal ad-Din Muhammad Rumi (1207- 1273).

 

 

 

   

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